Entre tanta obra de teatro llevada al cine, la experiencia de ver la versión teatral de una película resulta en principio tentadora y, en el caso de Solas, además gratificante. De hecho, la puesta en escena de Alicia Zanca suma varios puntos a favor. El más importante: evitar que el traslado a las tablas y la adaptación al contexto argentino corrompan la esencia de aquel film que el español Benito Zambrano escribió y dirigió en su país hace casi una década.

El mérito de semejante logro es compartido. Por Enrique Pinti y Antonio Onetti, encargados de “traducir” el guión original al castellano rioplatense y de acondicionarlo en función de la realidad local. Por la mencionada Zanca, responsable de establecer una dinámica narrativa y actoral que mantiene cautiva la atención del público. Por Leonor Manso, Julieta Díaz, Juan Manuel Tenuta, Miguel Dedovich, Néstor Sánchez, César Bordón y Cristina Fridman, todos absolutamente comprometidos con sus personajes. Por Gabriel Carrascal, ideólogo de una escenografía a la vez elocuente y funcional.

Por supuesto, el reconocimiento se extiende al mismo Zambrano, capaz de proponer un retrato austero, sin golpes bajos, pero contundente sobre la violencia doméstica y sus nefastas consecuencias en la relación entre esposos y entre padres e hijos. En esta ocasión, la mirada es sobre todo femenina/ feminista pues se concentra en las protagónicas Rosa y María, madre e hija víctimas de un marido/padre tirano y golpeador.

Manso y Díaz encarnan a estas dos mujeres unidas por un vínculo naturalmente inquebrantable pero distanciadas no sólo por los kilómetros que las separan de hecho (una vive en el campo; la otra en la ciudad) sino por maneras distintas de enfrentar un pasado en común y un presente donde se anidan viejos conflictos irresueltos. Mientras la primera hace gala de su ductilidad habitual e indiscutible, la segunda demuestar el progreso alcanzado desde sus primeras incursiones en la televisión.

Juntas, las actrices transmiten las sensaciones más diversas -tristeza, culpa, resignación, resentimiento, esperanza- y son capaces de conmover hasta las lágrimas. Por su parte, el resto del elenco construye un marco propicio para acentuar/mitigar la presencia escénica de una soledad a veces asociada al silencio, a veces al exabrupto, siempre a la incomunicación.

Solas también propone un fresco de nuestra vida contemporánea en las grandes ciudades. La desintegración de la red social y solidaria, la paranoia desatada por la delincuencia y la drogadicción, el consecuente encierro y aislamiento de los habitantes, el acoso del desempleo y de la explotación laboral, el temor a una vejez devenida en sinónimo de invalidez son los otros grandes temas que esta obra se permite tratar con lucidez y sensibilidad.

Dicho sea de paso… Con esa lucidez y esa sensibilidad siempre presentes tanto en el buen cine como en el buen teatro. He aquí la prueba.

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PD. Solas está en cartel desde enero de 2008 en el teatro Metropolitan 2 (Corrientes 1343, Ciudad de Buenos Aires) de miércoles a viernes a las 21; los sábados a las 20.30 y 22.30 y los domingo, a las 20.30 horas.

Así como hace algunas semanas ver Be with me fue una buena manera de empezar a despedirse de 2007 en términos cinematográficos, asistir antes de ayer al recital de The Police en el estadio de River resultó una celebración de fin de año “monumental” (valga la obviedad del juego de palabras) en más de un sentido. Mejor aún, presenciar la reunión de uno de los tríos más importantes -sino el más importante- de la música inglesa contemporánea se reveló como una oportunidad de privilegio imposible de olvidar.

Quizás lo único cuestionable de la noche del sábado haya sido la actuación del telonero Beck, no tanto por culpa del cantante norteamericano transformado en autómata (que conste: es probable que esta desafortunada metáfora sea producto exclusivo de la indiferencia de quien suscribe) sino por una pésima calibración del sonido. De ahí que los golpes de percusión y las notas más agudas alcanzaran decibeles difícilmente soportables.

Por suerte el imperdonable descuido técnico se revirtió a las 21.30hs, momento exacto (¡ay, la célebre puntualidad british!) en que Sting, Stewart Copeland y Andy Summers arrancaron con Message in a bottle. A partir de este bautismo de fuego, la noche veraniega se convirtió en marco ideal para un espectáculo de calidad, donde la nostalgia de épocas pasadas se combinó con un profesionalismo y una madurez indemnes al paso del tiempo.

El resultado: la nueva versión de viejos himnos como Roxane, King of pain, Every breath you take, Don’t stand so close to me, So lonely, y de las conocidísimas Walking on the moon, Wrapped around your finger (excelente puesta a punto), When the world is running down, Voices inside my head entre otras canciones a esta altura verdaderos clásicos. En cuestión de minutos cada tema, cada solo, cada primer plano echó por tierra los rumores, reseñas, comentarios sobre los roces y desencuentros que -cuentan los que saben-provocaron la conflictiva separación de estos tres intérpretes notables.

De hecho, el concentrado trío ejecutó sus piezas de manera afinadísima y aceitadísima, haciéndole honor al concepto de “ensamble”. Por un lado, Copeland y Summers ofrecieron distintas pruebas de destreza y versatilidad instrumentales; por el otro Sting volvió a demostrar su vasta formación musical, la sólida educación de una voz ahora más grave, y sin embargo con más capacidad torácica y una mayor amplitud de registros.

El show tampoco se privó de los ingredientes de rigor. Me refiero a la proyección de imágenes de archivo que ilustraron la trayectoria de la banda mientras sonaba Next to you, a la sucesión de fotos de niños del África al compás de Invisible Sun, a los juegos de luces dentro y fuera del escenario, a las convocatorias de Sting -en riguroso castellano- para que el público acompañara con coros y palmas, al pedido de bises por parte de los miles de espectadores, al saludo final de “gracias, Aryentina”.

En su cobertura, los medios informaron que las imágenes de los dos recitales realizados ayer y antes de ayer en Buenos Aires servirán para producir el DVD con el que The Police piensa dar testimonio de su tan promocionado reencuentro. Ojalá la iniciativa pueda capturar y transmitir la magia desplegada en tamaño revival, además de la felicidad de quienes pudimos compartir esta emotiva e inolvidable celebración monumental.

Ocurrente, enérgico, pícaro, entretenido, contundente. Así es el espectáculo que el Espacio Callejón exhibe todos los sábados a las 22.30hs y que lleva por nombre Pura cepa, como queriendo subrayar las indiscutibles cualidades de nobleza y originalidad. El mérito es de Ana Frenkel, reconocida coreógrafa y bailarina de El Descueve, y del Grupo Combo integrado por quince jóvenes intérpretes.

Ésta es una propuesta donde el verdadero protagonista es el cuerpo. De hecho, las palabras ocupan un lugar secundario, reducido a una función onomatopéyica. En cambio la danza, la música y la mímica son los ingredientes principales encargados de construir una narrativa capaz de contar anécdotas particulares -en forma de sketches- y de abordar cuestiones tan universales como las relaciones de poder o la “guerra” entre los sexos. 

El dinamismo, la heterogeneidad y el sentido del humor probablemente constituyen las virtudes más grandes de la obra. Las coreografías elaboradas por Frenkel son ingeniosas, sensuales, sugerentes y los bailarines/actores las recrean con soltura, pasión y compromiso. Desde el principio, existe una intención lúdica que se traslada del escenario al público mediante una invitación explícita a soñar, a imaginar, a dejarse llevar.

La musicalización y la iluminación son otros aspectos destacables de Pura sepa. La primera, a cargo de Andrés Menutti, incluye algunas canciones especialmente compuestas y temas ajenos como el perteneciente a la banda sonora de Hable con ella o el Ave María de Franz Schubert. La segunda, responsabilidad de Ricardo Sica, genera atmósferas tan bizarras como la que rodea a una imponente cabellera negra sacudida con frenesí.

Al parecer, esta creación colectiva del Grupo Combo se gestó hace dos años en un seminario de investigación en composición coreográfica. De ser así, podemos retomar la metáfora del título y hablar de una “cosecha 2007″ digna de disfrutarse, y por supuesto de recomendar.

La Secretaría de Cultura de la Asociación Argentina de Actores nos invita a participar de La reconstrucción del hecho, ciclo que propone un encuentro con los creadores de obras teatrales. La idea es desandar el camino transitado por dramaturgos, directores, actores, escenógrafos, vestuaristas, utileros, y de esta manera transitar la experiencia artística como ajena a cualquier concepto industrial y/o marketinero.

La cita tendrá lugar los últimos martes de cada mes a las 19hs en la sala Olga Berg de la mencionada entidad, en Alsina 1766, Ciudad de Buenos Aires. La entrada es libre y gratuita. 

Hasta ahora, ya están confirmadas las cuatro primeras charlas dedicadas a las siguientes obras:

- El niño argentino, martes 28 de agosto. Encuentro con Mauricio Kartun, Mike Amigorena, Osky Guzmán y María Inés Sancerni.

- Quién lo probó lo sabe, martes 25 de septiembre. Encuentro con Mariano Moro y Mariano Mazzei.

- Antígona, martes 30 de octubre. Encuentro con Carlos Ianni y Ana Yovino.

- Yo soy mi propia mujer, martes 26 de noviembre. Encuentro con Agustín Alezzo y Julio Chavez (atención, este encuentro puede cambiar de horario).  

Espectadores no suele publicar gacetillas de prensa, pero las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo bien valen una excepción (mucho más, en realidad).
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El próximo lunes 30 de julio a las 20 horas tendrá lugar en el Teatro Metropolitan el lanzamiento oficial el Ciclo 2007 de Teatro X la Identidad, con entrada libre y gratuita. El evento reunirá cerca de diecisiete obras que se representarán -también gratuitamente- todos los lunes de agosto y septiembre en nueve salas diferentes.

Juan Palomino, China Zorrilla, Natalia Oreiro, Arturo Bonín, Julieta Díaz, Florencia Raggi son algunos de los artistas que participarán en el llamado “espacio abierto”. Los escenarios seleccionados en esta oportunidad pertenecen al Chacarerean Teatre, al Teatro del Pueblo, al Teatro IFT, al Teatro La Comedia, a la Manzana de las Luces, al Teatro Metropolitan, al Teatro Payró, al Teatro Tadrón y a The Cavern en el Paseo La Plaza.

Teatroxlaidentidad (TxI) nació de la necesidad de articular legítimos mecanismos de defensa contra la brutalidad y el horror que significaron el robo de bebés y niños, y la sustitución organizada y sistemática de sus identidades. Perpetrados durante la última dictadura militar entre 1976 y 1983, ambos delitos continúan vigentes.

En breve, la programación completa se encontrará publicada aquí.