Las películas que consideramos malas suelen provocarnos tres tipos de reacciones. O bien sus desaciertos nos causan gracia e, independientemente del género al que pertenece, recordamos el título en cuestión como una experiencia cómica (sería el caso de Mamma mía). O bien el film nos espeluzna, tanto que nos resulta imposible olvidar tamaño desatino (sería el caso de Hostel o de Joshua). O bien la propuesta nos resulta tan ñoña, tan poco llamativa -ni siquiera lo malo llama la atención- que, en cuestión de días, el largometraje pasa al más irreversible de los olvidos. Éste es el caso de Yo soy sola, producción local que sólo los detractores del cine argentino sabrán valorar.

La propuesta de Tatiana Merenuk se divide en cuatro partes protagonizadas por cuatro amigas que bordean los 30 y que enfrentan distintas problemáticas amorosas. A priori, la idea de un patchwork narrativo aparece como un intento legítimo por abordar las distintas aristas de la “soledad femenina” pero, en realidad, lo único que aquí difiere son las situaciones.

Dicho de otro modo, la variedad de relatos sólo permite una variedad de contextos, de escenografías, de personajes. Lo demás es estereotipo puro, retrato de mujeres en función de hombres que están pero no están, parlamentos que parecen dignos de la revista Cosmopolitan antes que de una comedia dramática (para comedias dramáticas sobre mujeres solas, conviene ver la serie -nunca la película- Sex & the city).

A tono con el guión, las interpretaciones de Eugenia Tobal, Moro Anghileri, Mara Bestelli y Olivia Molina responden a arquetipos tan burdos como por momentos antipáticos. Paradojas cinematográficas, en un film pretendidamente feminista (o femenino) los actores Pablo Rago, Mike Amigorena, Ramiro Agüero, incluso Damián de Santo se desenvuelven con más soltura, probablemente porque sus personajes son menos unidimensionales.

Yo soy sola oscila entre la reflexión lacrimógena y la (¿auto?)crítica canchera. Quizás ésta sea la actitud habitual de muchas señoritas veinte/treintañeras sin pareja, pero una comedia sobre el tema debería mostrar algo más que mohines, declamaciones y lugares comunes. De lo contrario, corre serios riesgos de caer en el más irremediable de los olvidos.

Quienes consideren que Fargo es la mejor comedia negra de los hermanos Coen encontrarán que Quémese después de leerse no iguala -mucho menos supera- a aquella película filmada hace doce años. Dicho esto, el último trabajo de Ethan y Joel tiene dos aciertos: por un lado, un guión lo suficientemente original como para que la crónica de otro desmadre absurdo y enredado vuelva a sorprendernos; por el otro, buenas actuaciones capaces de expresar la visión cínica de la dupla cinematográfica.

Atrás queda el recuerdo de la sombría Sin lugar para los débiles. Da la sensación de que, después de haber adaptado un texto ajeno (escrito por Cormac McCarthy), los Coen decidieron apostar nuevamente a la elaboración propia para así retomar la crítica a ciertas taras de nuestra sociedad: la impronta mediática, el culto a la apariencia, la obsesión por el dinero, la precariedad de las relaciones interpersonales, la exacerbación de la violencia.

“La inteligencia es relativa”, reza el slogan del largometraje. Sin dudas, la frase sintetiza la moraleja de una fábula que le otorga mayor astucia a la empleada de un gimnasio que a funcionarios de la CIA (y de una embajada rusa). También anticipa la intención de retratar a la idiotez humana.

Como hicieron con Tom Hanks en El quinteto de la muerte y con George Clooney en ¿Dónde estás hermano?, aquí también los Coen convocan a estrellas hollywoodenses (a Clooney otra vez y a Brad Pitt) para sacarles el jugo que la industria ignora, descuida o desprecia. La experiencia resulta interesante, aún para los detractores de carilindos que les niegan toda posibilidad de redención, y graciosa para quienes creemos en el sentido del humor de los galanes subestimados.

En el elenco también se destacan John Malkovich, Tilda Swinton y la musa inspiradora Frances McDormand. Sin dudas, el protagonismo le sienta muy bien a la actriz norteamericana, en parte por su talento innato, y en parte porque su Linda Litzke evoca la obstinación de la querible mujer policía que ella misma encarnó en la citada Fargo.

En general, la crítica especializada le dio una bienvenida tibia a Quémese después de leerse cuando se estrenó en Buenos Aires hace algunas semanas. La reacción es entendible si pensamos en la trayectoria de los hermanos cineastas y recordamos títulos superiores como los ya mencionados además de Barton Fink y El hombre que nunca estuvo, pero poco justa cuando analizamos la película al margen de sus antecesoras, y sin dudas ubicada muy por encima de la calidad promedio de las comedias made in USA.

Ojalá The visitor desembarque algún día en la cartelera porteña. Estrenada en los Estados Unidos en abril de 2008, esta película norteamericana “indie” vale por un guión a la vez sensible y austero, por actuaciones igual de conmovedoras (se destaca en especial el usualmente relegado Richard Jenkins), por una deliciosa banda sonora que combina ritmos africanos con música clásica, y por la intención de reflexionar sobre el problema de la inmigración ilegal en el ¿gran? país del Norte.

Es posible que los fanáticos de las series Boston public o Ally McBeal reconozcan vagamente al actor Thomas McCarthy. Pero una cosa es segura: sin dudas nos resultará difícil olvidar su rostro y su nombre a quienes lo descubrimos como guionista y director de este segundo largometraje que sucede al muy recomendado (habrá que verlo) Vías cruzadas.

Contrariamente a lo que pueda imaginarse, el visitante aludido en el título del film no es el joven percusionista sirio que interpreta Haaz Sleiman y que se convierte en víctima impotente de una política migratoria arbitraria, injusta, brutal, perversa. Aquí, el verdadero extraño (extraño en su propia sociedad) es el protagonista, profesor universitario Walter Vale.

La mesura con la que el mencionado Jenkins encarna a este economista solitario, parco, incluso antipático se condice con la sutileza de un guión que consigue prescindir de la verborragia habitual en el cine estadounidense y que, tal vez por eso mismo, nos provoca una mayor empatía con personajes, situaciones y problemáticas. Así, en cuestión de minutos, la cámara de McCarthy nos revela el mundo interior de un neoyorkino ajeno a su entorno y atraído por una otredad exótica que lo rescata del hastío y la indiferencia.

La desconocida Danai Gurira y la experimentada Hiam Abbass (los cinéfilos la recordarán por sus intervenciones en las aquí reseñadas El paraíso ahora, La novia siria y El jardinero entre otras producciones) aportan su talento a esta suerte de coro cinematográfico donde nada desentona. Ni siquiera la idea de un final más cercano a la realidad que a la ficción, y por lo tanto fiel al bien intencionado objetivo de reflexionar sobre injusticias, inequidades y maltratos propios del llamado “Primer Mundo”.

————————————————————–
Comentario aparte
Por momentos el Walter Vale de The visitor nos recuerda al Ed Horman que Jack Lemmon encarnó en la inolvidable Missing de Costa Gavras. De hecho, tanto el académico imaginado por McCarthy como aquel padre que viaja a Chile para recuperar a su hijo desaparecido en Chile muestran, primero, la incredulidad y, luego, la indignación de dos ciudadanos norteamericanos que descubren ciertas iniquidades cometidas por su propio país.