Tiemblen, adoradores de plazos impracticables. Pronto vendrán por el Día del Arquero, y entonces no quedarán más fechas para postergar el nunca jamás. 

Basta con mirar un solo capítulo para engancharse con In treatment, serie que HBO estrenó el lunes pasado en la televisión premium local y que nos convierte en testigos de distinas sesiones psicoterapéuticas. La propuesta es altamente recomendable, en parte porque prueba que el despliegue de una gran parafernalia no es un factor imprescindible de calidad; en parte porque nos reconcilia con el -a esta altura trillado- relato en tiempo real*.

La clave del éxito está en los guiones bien cuidados que recrean caracteres, neurosis, intervenciones -en síntesis “situaciones de diván”- de manera creíble y atrapante, y que sortean las limitaciones de un contexto más acorde a la experiencia teatral que a la catódica: acción acotada a un solo espacio, escasos exteriores, pocos personajes, bastante parlamento.

El título es lo suficientemente explícito como para anunciar el proceso, eventualmente el progreso, que presenciaremos (además de duración, sugiere la frecuencia de las citas o las entrevistas que conforman el tratamiento). Al mismo tiempo, es lo suficientemente ambiguo como para deslizar la sospecha de que los pacientes no son los únicos que necesitan ayuda profesional.

Después de todo, a diferencia de lo que sucedía en las autóctonas Vulnerables y Locas de amor, aquí el gran protagonista es el médico. De hecho, el Dr. Paul Weston es el más afectado por lo que sucede en terapia, y el que más procesará (¿progresará?) a medida que los episodios/las sesiones avancen.

A Gabriel Byrne le sienta bien el rol protagónico, quizás porque este actor maneja con soltura sus dos facetas: la del tipo cerebral, taciturno, insondable, y la del tipo sanguíneo, impulsivo, colérico. En vez de “physique du rôle”, podríamos hablar de “esprit du rôle”, y de paso especular con una posible versión aggiornada -libre de monstruosidades- del Dr. Jekyll y Mr. Hyde.

Antes de terminar, tres datos interesantes para los espectadores curiosos. El primero: a diferencia de otras producciones de HBO, ésta no es estrictamente original sino que es una adaptación de la serie israelí Be ‘Tipul. El segundo: uno de los productores y ocasionales directores de este proyecto es Rodrigo García, hijo de don Gabriel y realizador con trayectoria cinematográfica y televisiva. El tercero: además de Byrne, Dianne Wiest es el otro nombre famoso que integra el elenco y que -oh casualidad- también patea para el equipo psi.

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* Cada capítulo de la serie dura lo que dura una sesión. De ahí que el cronograma de emisión (media hora, todos los días de lunes a viernes) coincide con los tiempos que un psiquiatra les dedica a sus pacientes.

Cuesta encontrar en la Web algún anticipo de Miradas al Sur, diario dominical que -a partir el 18 de mayo próximo- empezará a venderse en Capital Federal y Gran Buenos Aires. Por lo visto, Señales y el Blog de Contenidos son los únicos medios digitales que anunciaron el lanzamiento oficial, y que además publicaron información básica sobre esta otra nueva publicación periodística, en este caso semanal y a cargo de un director (Eduardo Anguita) con un perfil mucho más bajo que el de Jorge Lanata. 

En las antípodas de Crítica de la Argentina, cuya promoción online buscó (y logró) generar bastante expectativa, Miradas al Sur apenas apuesta a una discreta difusión a través de carteles en la vía pública. Por eso habrá que esperar hasta pasado mañana para conocer el contenido de un periódico que -es probable- muchos tildarán de kirchnerista dado el staff de columnistas y colaboradores entre los que se destacan Walter Goobar, Eduardo Curia, Aldo Ferrer, Enrique Vázquez, Miguel Russo, Norberto Galasso, Carlos Polimeni, Felipe Pigna y las madres Taty de Almeyda y Estela Carlotto.

Ayer fue el último día de cartelera comercial para La rabia, título estrenado oficialmente hace apenas dos jueves. Lejos de convertirse en éxito de taquilla, esta otra película argentina parece haberle resultado indiferente al público porteño y sin embargo, de los lanzamientos recientes del cine nacional, es el más impresionante. Dada la breve estadía en el circuito de salas habitual, los interesados en verla deberán darse una vuelta por el Museo de Arte Latinoaméricano de Buenos Aires (Malba).

El último trabajo de Albertina Carri* presenta un retrato sórdido, brutal, visceral de la vida de campo. Que conste: de la vida de los peones de campo. Dado el contexto de enfrentamiento agrario-gubernamental, cabe preguntarse si éste es el mejor momento para el desembarco de una propuesta que desmitifica la imagen bucólica o folklórica del medio rural. 

El film atrapa por la contundencia de lo visual. Contundencia a veces ligada a la exhibición explícita (pienso en las escenas del chancho carneado, del conejo estaqueado, de los encuentros sexuales entre Alejandra y Pichón); a veces ligada al arte de la sugestión (por ejemplo la escena de la bolsa de arpillera o la recreación de los dibujos de una niña); a veces ligada al discurso metafórico (la comadreja enjaulada es la referencia más evidente).

El film también atrapa desde lo sonoro. No sólo por una musicalización acorde a las fluctuaciones entre picos de tensión y picos de violencia, sino por el manejo de los ruidos propios de un entorno por momentos inerte (de ahí que a veces sólo se escuche la respiración de algunos personajes), por momentos hostil (pienso en el rugido de la comadreja, en los chillidos del chancho, en los alaridos de la pequeña Nati, en los bramidos que acompañan el acto sexual).

Las actuaciones conforman otro gran pilar de la película. Víctor Hugo Carrizo, Analía Couceyro y Javier Lorenzo constituyen el trío protagónico atravesado por distintos tipos de violencia: verbal, gestual, física. Los tres saben transmitir los sentimientos de represión, frustración, odio que movilizan a sus personajes. 

Por otra parte, los chicos González Pérez y Nazarena Duarte se llevan las palmas por su composición de Ladeado y la mencionada Nati. Incluso Dalma Maradona (así es, la hija de San Diego) se desempeña de manera convincente en el rol secundario de la callada (y silenciosamente deseada) Mercedes.

En La rabia los patrones de estancia son los grandes ausentes**. Sin embargo, su lugar o territorio aparece claramente delimitado entre los sillones de terciopelo, entre las vestimentas de polo, entre las escopetas lustradas. Cuesta poco imaginarlos en otro lado, ahora tal vez en las rutas, cantándole “a la patria federal, donde toda la Argentina sea tratada por igual“.   
 
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* Albertina Carri escribió y dirigió esta película. También la co-produjo junto a otro cineasta argentino, Pablo Trapero. 

** Además de ser el título de la película, “La rabia” es el nombre de la estancia que cuidan los caseros Leopoldo y Alejandra. Por lo tanto, la frase “En La rabia los patrones de estancia son los grandes ausentes” admite una segunda versión: ”Los patrones de “La rabia” son los eternos ausentes”. Elijo la primera para evitar un doble sentido que podría jugar con la idea de que existen dueños legítimos (más legítimos que otros) de la rabia/bronca.

PD. La introducción de este post fue modificada a las 14.41hs en función de los comentarios que dejaron Paula y Agustina Carri. 

Quienes sientan debilidad por las criaturas de los estudios Aardman (entre otras Wallace, Gromit y los pollitos en fuga) seguramente se divertirán con Lo que el agua se llevó, película cuyo estreno local a principios de 2007 fue opacado por la promoción de Ratatouille. Casi simultáneos, ambos lanzamientos les devolvieron protagonismo cinematográfico a las ratas y, a partir de simpáticas personificaciones animadas, buscaron entretener a los niños y a sus acompañantes adultos. Sin dudas la película de Sam Fell lo logra, sobre todo gracias a un buen despliegue de personajes secundarios.

Momentito. Antes de que alguien grite “¡objeción!”, conviene aclarar que los principales Roddy y Rita también tienen su costado gracioso y atractivo, para empezar las voces de Hugh Jackman y Kate Winslet. Pero a todas luces quienes realmente brillan son las babosas cantarinas, el sapo malvado, sus dos ratones secuaces y las (¿importadas?) ranas francesas.

Evidentemente Lo que el agua se llevó (por fin una traducción ocurrente y a la vez respetuosa del título original) apunta a chicos con menos edad que los integrantes de la audiencia interpelada por Ratatouille. Por lo pronto, aquí la recreación del submundo roedor se inspira menos en la naturaleza que la puesta en escena propuesta por el taquillero Brad Bird.

Como en todas las películas animadas pensadas para los niños y sus padres, tíos, tutores o encargados, ésta también juega con conocimientos que manejamos los adultos. Conocimientos en cuanto a música pop, en cuanto a cine, en cuanto a la eterna rivalidad entre británicos y franceses, ¡en cuanto al mismísimo Marcel Marceau! Por su parte, los chicos disfrutarán de desencuentros, caídas, saltos y demás bloopers dignos de este género.

Volviendo al despliegue de personajes secundarios, cabe destacar el trabajo de Ian McKellen, Jean Reno, Bill Nighy y Andy Serkis, responsables de interpretar al sapo, a la rana francesa líder, y a los secuaces Whitey y Spike respectivamente. En cuanto a las adorables babosas, pocas veces se habrán escuchado coros tan originales y entrañables (vale la pena esperar a los créditos para verlas entre los nombres del equipo). 

Aún en versión doblada, Lo que el agua se llevó sabe entretener. Es que los aciertos de los estudios Aardman van más allá de la (siempre acertada) elección de actores. La clave del éxito parece estar en cierta capacidad para gestar criaturas que -confesémoslo- muchos quisiéramos adoptar.